ГМИИ им. А. С. Пушкина — одно из крупнейших художественных собраний России. Здесь хранятся произведения зарубежного искусства, созданные в период от глубокой древности до наших дней. Основатель музея — Иван Владимирович Цветаев, филолог-классик и историк искусства, профессор Московского Университета, а проект здания выполнил архитектор Роман Иванович Клейн. Музей был торжественно открыт в 1912 году.
Ядро картинной галереи старых западных мастеров сложилось в 1920-е — 1930-е годы за счет передачи национализированных частных собраний Г. А. Брокара, Д. И. Щукина, московских собраний и подмосковных усадеб, из Государственного музейного фонда, упраздненного Музея иконописи и живописи И. С. Остроухова, а также из Исторического музея, Музеев Кремля, Третьяковской галереи — за счет «непрофильных» для них произведений западноевропейского искусства. Несколько партий картин было получено из Эрмитажа, других ленинградских музеев, Ленинградского музейного фонда.
Прежде чем приступить к изучению самих произведений, необходимо сказать несколько слов об историческом контексте.
Рис. 1. Разделение Нидерландов на Голландию и Фландрию и современные территории
В начале XVI века Нидерланды, занимавшие территорию современных Нидерландов, Бельгии, Люксембурга и части Франции, находились под властью испанских Габсбургов. Религиозные и экономические различия между протестантским Севером и католическим Югом, усиленные конфликтом с испанским правлением, вызвали недовольство населения, которое переросло в восстания, что в итоге привело к Восьмидесятилетней войне с Испанией за независимость Нидерландов. В результате Северные Нидерланды получили независимость от испанцев. В стране утвердился протестантизм. В состав Северных Нидерландов входила Голландия, поэтому нидерландское искусство той эпохи называют голландским. Южные Нидерланды, получившие название по самой значимой из провинций, Фландрии, остались под властью испанских Габсбургов. Искусство региона осталось в рамках католической парадигмы.
Рис. 2. «Сдача Бреды», Диего Веласкес, 1635, Прадо, Мадрид, Испания. Холст, масло. 307 х 367 см
Работы зала № 8 «Искусство Германии и Нидерландов XV-XVI в». ГМИИ им. А. С. Пушкина отражают процесс становления новой художественной культуры Возрождения, который проходил не только в Италии, но и на севере Европы, в частности в Нидерландах и Германии. В XVI веке в Нидерландах происходит мощный подъем художественной жизни, местные мастера выдвигают и разрабатывают новые принципы изображения. Демократизм устремлений искусства способствовал формированию крестьянского жанра. Мы видим здесь типичное для нидерландской живописи ощущение реальной среды, внимание к жанровой детали, умение видеть мир и природу в синтезе. Отсутствие идеализации в работах нидерландцев никогда не отрицает поэтичности взгляда.
Рис. 3. Иоахим Бекелар. «На рынке», 1564. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Дерево, масло. 128 х 166 см
В работе Иоахима Бекелара «На рынке» обыденная действительность приобретает эстетическую ценность. Художник обращается к изображению бытовой сцены и делает героями своей картины крестьян, он стремится придать их облику значительность, пишет крупные, полные достоинства фигуры, выдвигает их на передний план, типизирует лица. Мастер любуется красотой простых людей и окружающими их предметами. Его интерес к изображению нехитрой снеди, привезенной крестьянами на рынок, свидетельствует о рождении так называемого «рыночного» или «кухонного» натюрморта.
Рис. 4. Питер Питерс «Торговка рыбой», около 1580. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Дерево, масло. 112 х 84 см
Натюрморт занял важное место и в творчестве Питера Питерса. Его картина «Торговка рыбой» изображает часть лавки или кухни, где на столе разложена рыба, а хозяйка греет руки о теплый горшок. Картина имеет аллегорический подтекст, содержит намек на одно из пяти чувств — осязание, а также олицетворяет зиму и символизирует стихии — огонь и воду.
Искусство зала № 9 «Искусство Фландрии XVII века» погружает нас в золотой век фламандской живописи. Национальная школа Фландрии возникла в XVII столетии на основе искусства нидерландского Возрождения после разделения страны на Голландию (Северные Нидерланды) и Фландрию (Южные Нидерланды). В условиях тесной конкуренции, художники стремились сосредоточить свое внимание на одном жанре. Одни предпочитали писать портреты, другие — пейзажи, третьи — жанровые сцены или натюрморты. В пределах одного жанра существовало деление на отдельные типы. В натюрморте различались, например, «цветы», «завтраки», «vanitas» (атрибуты мирской суеты и предметы интеллектуальной деятельности). Кодовый язык компонентов композиции позволял зрителю «считывать» морализаторские послания, это объясняется традицией разъяснения внутреннего смысла вещей, о которых повествуется в Священном писании и которые одновременно существуют и в обыденной жизни.
Рис. 5. Франс Снейдерс «Мясная лавка», 1630-е. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Холст, масло. 135 х 210 см
Демонстрация изобилия и разнообразие даров природы неизменно присутствует в каждом из больших натюрмортов коллеги и товарища Рубенса, Франса Снейдерса, будь то битая дичь, фрукты и овощи, зелень. В данном случае, как и в ряде других произведений Снейдерса, фигуры мясника и женщины на втором плане выполнены антверпенским живописцем Корнелисом де Восом. Популярная в искусстве Фландрии тема мясной лавки восходит к произведениям Йоахима Бекелара. Она традиционно связана с идеей избыточности материального мира и грехом чревоугодия. Но Снейдерс преодолевает эту традицию, показывая нам ее как земные блага и изобилие.
Рис. 6. Франс Снейдерс, «Рыбная лавка», около 1616. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Холст, масло. 134 х 204 см
Рыба в аллегорических представлениях XVII века была знаком зимы и водной стихии. В левой части картины Франса Снейдерса «Рыбная лавка» торговка обращается к мальчику. Позади него — корзина со сладостями и привязанными к ней красными башмачками. Это подарки ко дню святого Николая (Санта Клауса, 19 декабря), указывающие на радости и горести человеческой жизни, ведь в корзину вложены также и розги, которыми наказывали в то время нерадивых детей. Скрытый смысл картины связан с рыбным постом, предваряющим празднование дня святого Николая. Присутствие людей придает картинам Снейдерса жанровый характер. Но сам мастер редко писал фигуры в своих натюрмортах, что продиктовано конкуренцией и узкой специализацией художников, предпочитая поручать это одному из своих коллег. В «Рыбной лавке» представлена, видимо, жена художника, которую изобразил ее брат, живописец Корнелис де Вос.
Рис. 7. Ян Давидс де Хем, «Натюрморт с лангустом», 1640-е. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Холст, масло. 116 х 159 см
Ян Давидс де Хем пробовал себя в разных видах натюрморта, но наибольшую славу снискали его «роскошные» декоративные натюрморты. Этот термин принято использовать к нарочито изобильным композициям, наполненным предметами, показывающими статус владельца. Посуда из дорогостоящих материалов, разнообразие стекла, яства, южные фрукты, дорогие в доставке. Картины этого жанра демонстрируют мирское благосостояние в избыточной форме, порождающей не только любование предметным миром, но и раздумья о пустой расточительности. Кроме того, некоторые предметы имеют еще и символическую историю. Устрицы воспринимались не только как деликатес, они были символом чувственности и обозначали наслаждения не только кулинарного толка. Лимоны могли обозначать непостоянство и обманчивость земных удовольствий, будучи яркими и привлекательными снаружи, но кислыми на вкус. Таким образом мы видим, что картина была не просто декоративным полотном в интерьере, но еще и разминкой для ума и эрудиции владельца. Техническое изучение работ де Хема показало, что мастер строил композицию в обратном порядке: сначала он изображал предметы вдали, а потом обращался к объектам на переднем плане. Предметы располагаются смело, имея внутреннюю динамику. Крупный объект помещен под углом, в сложном ракурсе, что делает пространство картины глубже. Одним из признаков мастерства живописцев XVII столетия считался обман взгляда зрителя, его уверование в реальность изображенных предметов. И действительно, блеск металлических предметов, отражение света в бокале проникает за пределы картины.
Рис. 8. Франс Снейдерс, «Натюрморт с лебедем», 1640-е. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Холст, масло. 162,5х235 см
По своим размерам и типологии картина Снейдерса «Натюрморт с лебедем» относится к микрожанру так называемых «кладовых». Исследователи отмечают ее высокое художественное качество, гармонию и уравновешенность композиции. Предметы образуют группы, но не переходят в нагромождение. Фигура слуги скорее всего принадлежит руке Корнелиса де Воса. Это полотно также является примером «роскошного» натюрморта, апофеоза радости жизни. Богатство и щедрость земли выражает любовь фламандцев к родному краю. В системе аллегорических значений, принятых в ту эпоху, принюхивающаяся собака представляет одно из пяти чувств — обоняние, а клюющий фрукты попугай — вкус. Гроздь винограда и олень — символы, намекающие на жертвенность смерти Спасителя. Инжир — знак любви и плодородия. В данном случае отдельные ассоциации не складываются в единую смысловую программу, поэтому изображение представляет собой широкое поле для разных интерпретаций. Особенно это относится к лебедю, который с давних пор считался символом красоты, чистоты, возрождения, благородства и в тоже время ассоциировался с лицемерами.
Рис. 9. Сегерс Даниель, Квеллин Эразм II, «Мадонна с младенцем Христом, святая Елизавета и Иоанн Креститель, окруженные цветами», около 1650. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Медь, масло. 84х61 см
Такие картины были очень распространены во фламандской школе. Помимо декоративной составляющей, они выполняли функцию образа индивидуального поклонения. Композиции из цветочных гирлянд и религиозных сцен, как правило, выполнялись двумя мастерами. Один мастер писал цветы, другой — скульптурный и фигуративные элементы. Ученик Яна Брейгеля Старшего, прославленный фламандский живописец Даниель Сегерс, глубоко набожный католик, монах иезуитского ордена, специализировался на изображениях цветочных гирлянд, окружающих медальоны с фигурами Богоматери, Христа и различных святых. Его произведения высоко ценились современниками. Известно, что он не продавал свои картины, но иногда преподносил их в дар духовным лицам. На этой картине мы можем видеть сочетание видов летних и весенних цветов, которые в природе цветут в разное время. Заказчики того времени ценили такое сочетание несочетаемого, соединение того, что вместе мы видеть не можем. В целом, цветы — атрибут аллегории обоняния, одного из пяти чувств. Цветение растений также соотносили с различными возрастами человека: бутон — детство, распустившийся цветок — зрелость, увядающий цветок — старость, а осыпавшийся — смерть. Недолговечность красоты цветов свидетельствовала о недолговечности земных благ и о суетности человеческой жизни.
Произведения искусства зала № 10 ГМИИ им. А. С. Пушкина — это работы Рембрандта и его школы. У Рембрандта было много учеников, его искусство оказало значительное влияние на других голландских живописцев. В мастерской Рембрандта изучали искусство других мастеров, но мало копировали, и много работали с натуры. Творческий процесс объединял учителя и учеников. В Лейдене, интеллектуальном центре Голландии, к 1620 году возник один из специфических жанров натюрморта — философский vanitas, уходящий корнями в нидерландскую жанровую живопись прошлых веков, а также в дидактическую и эмблематическую литературу и графику начала XVII века. Суета сует, или ванитас («vanitas», в переводе с латыни означает «тщеславие») — это натюрморт символическими объектами, который красноречиво передает библейское или христианское послание о быстротечности земной жизни по сравнению с неизменностью христианских ценностей. Типичные мотивы, использовавшиеся в картинах ванитас XVII века, включали ряд стандартных элементов, символизирующих:
– богатство и власть — золото, драгоценности, монеты, кошельки;
– земные удовольствия — роскошные ткани, трубки, бокалы для вина, кости, игральные карты;
– светские знания — книги, чернильницы и ручки, карты, телескопы;
– неизбежность смерти/прохождение времени (связанное с темой Memento mori) — череп, песочные часы, хронометр, часы, горящая свеча, бабочки, увядающие цветы и фрукты, тронутые порчей.
Рис. 10. Виллем де Портер «Суета сует (Ростовщица и смерть)», 1640. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Дерево, масло. 43х55 см
Виллем де Портер писал картины в стиле Рембрандта, используя многие атрибуты и светотеневые приёмы живописи великого голландца. Работа «Суета сует (Ростовщица и смерть)» относится к позднему периоду творчества художника. Мы видим смерть в образе скелета, которая является к женщине, показывая ей зеркало. Собранные, небрежно сваленные в груду роскошные драгоценности, дорогая утварь — характеризуют тему стремления человека к накоплению земных богатств. Фигура ростовщицы персонифицирует грех скупости, жадности, а явление самой Смерти заставляет вспомнить о тщете всех усилий по стяжанию богатства на земле, подчиняет все изображение мотиву «суеты сует» и должно обратить зрителя к размышлению об истинных ценностях духовной жизни.
Зал № 11 ГМИИ им. А. С. Пушкина представляет Искусство Голландии XVII века. Семнадцатое столетие было в Европе «золотым веком живописи». В Италии, Голландии, Фландрии, Испании и во Франции сложились значительные художественные школы. Среди них искусство Голландии занимает особое место. Семь северных нидерландских провинций, объединившись вокруг самой крупной из них, Голландии, одержали победу над испанцами. Уже в начале XVII века в Голландии складывается отчетливая специализация мастеров натюрморта: Гарлем — тип «завтраков» со столом, плодами и утварью; в Утрехте охотнее пишут цветы, в Гааге близость моря привлекает внимание к изображению рыб; в Амстердаме — преимущество у десертов с вином. В Роттердаме модным становится полужанровый «кухонный натюрморт», в Лейдене, как мы уже знаем, излюбленной темой является ванитас.
Рис. 11. Виллем Клас Хеда «Ветчина и серебряная посуда», 1649. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Дерево, масло. 97х80,5 см
Завтраки были излюбленной темой гарлемского живописца Виллема Класа Хеды, которого наряду с Питером Класом считают создателем «монохромных завтраков» и «монохромного стиля». Художнику присущи мягкая и тонкая колористика, натуралистичная игра светотени, коричнево-черные тона и полутона. В конце семнадцатого столетия в Голландии натюрморт получил очень большую популярность.
Особо ценились картины Хеды, не столько натуральностью изображения, сколько формой, цветом, каждой деталью и мелочью. Вальяжность и зажиточность в каждом предмете, чувствуется она также и в легкой небрежности, с которой стоят на столе предметы. Потухшая свеча здесь символизирует остановку, конец, или смерть. Серебряная посуда говорит о земных богатствах и их тщетности, ветчина в данном случае — плотская чувственность, а вот лимон символизирует скрывающуюся внутреннюю остроту под внешней броской красотой.
Высокий стеклянный бокал-«флейта» (в XVII веке такие бокалы использовались как мерная емкость с метками) хрупок, как человеческая жизнь, и в то же время символизирует умеренность и умение человека контролировать свои порывы. В натюрморте заключена вечная тема о тленности нашего существа и крик о важности заботы о душе, как ценнейшей составляющей личности.
Рис. 12. Питер Клас, «Завтрак», 1646. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Дерево, масло. 60х84 см
Питер Клас на своей картине «Завтрак» изображает небольшое число предметов, связанных с повседневным бытом обычного человека. Вещи степенно, «по росту» расставлены на столе. Но порядок слегка нарушен: откатилась виноградина, косо поставлена восточная тарелка, расколот орех, недопито вино. Клас умел показать как сходство, так и различие вещей. Украшения на ножке бокала похожи на виноградины, но ягоды живые, а стекло холодное и мертвое. На смятой скатерти — оловянная тарелка, четкая по форме, твердая по фактуре. По-разному взаимодействуют предметы с рассеянным светом: например, блик от окна на поверхности бокала и блик, преломленный вином. Сдержанная колористическая гамма, включающая в себя серые, зеленые и коричневые тона, дала название всему типу натюрмортов этой тональности — «монохромные завтраки». Как мы уже знаем, лимон мог обозначать обманчивость внешней красоты. Расколотые орехи являются символом грехопадения и искупительной жертвы Христа. Солонка в голландском натюрморте может служить символом мимолетности и быстротечности жизни. Соль, которая растворяется и исчезает, представляет собой хрупкость существования, в то время как сама солонка в композиции олицетворяет ожидание и неизбежность конца. Хлеб и бокал с вином ассоциируются, как правило, с телом и кровью Христа и указывают на таинство причастия. Также и рыба — один из древнейших христианских символов. Именно в виде рыбы первые христиане изображали Иисуса Христа.
Рис. 13. Абрахам Хендрикс ван Бейерен «Завтрак», 1656. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Дерево, масло. 74х60 см
Недооцененный при жизни и забытый после смерти на три столетия гаагский художник Абрахам Хендрикс ван Бейерен по уровню таланта не уступал своим знаменитым современникам Питеру Класу и Виллему Хеде. Ранние натюрморты художника просты и демократичны, отмечены ясностью композиции, тонкой передачей материальности предметов. Обращает на себя внимание и оформление этой картины: лаконичная рама, не содержащая большого количества декоративных элементов и позолоты, поддерживает простоту композиции. Предметы свободно размещены на краю стола. Такая асимметрия придает композиции особенную естественность. Все изображенные вещи связаны по смыслу: помимо явного, бытового, автор наделяет их скрытым значением, связанным с темой стихий. Глиняные предметы намекают на стихию земли, напиток в стакане и рыба — на воду, а трубка и табак связаны с воздухом.
Рис. 14. Юриан ван Стрек «Суета сует», 1670. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Холст, масло. 98х84 см
Ванитас — это самый интеллектуальный вид натюрморта, аллегория вечности искусства, бренности земной славы и человеческой жизни. Работа Юриана ван Стрека «Суета сует», как и другие работы ванитас содержит множество скрытых отсылок, а также достаточно схожий с прочими картинами аллегорический замысел, связанный с бренностью богатства, безысходности и тленности жизни. Меч и шлем с роскошным плюмажем на картине ван Стрека указывают на мимолетность земной славы. Охотничий рог символизирует богатства, которые невозможно взять с собой в иную жизнь. Ван Стрек изобразил набросок головы мальчика и раскрытую книгу: это трагедия Софокла «Электра», переведенная на голландский. Поместив книгу в композицию, художник напоминает о неотвратимости воздаяния за всякое преступление не на земле, так на небе, поскольку именно этой мыслью пронизана трагедия. О неизбежности смерти говорит и череп, а обвивающий его хлебный колос символизирует надежду на воскресение и вечную жизнь.
Рис. 15. Юриан ван Стрек «Натюрморт (апельсины, лимон и вино в бокале)», 1670. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Холст, масло. 70х61 см
В этом натюрморте Юриана ван Стрек «Натюрморт (апельсины, лимон и вино в бокале)» с небрежно заваленной фарфоровой миской с южными фруктами соседствует голландский бокал. Эти изысканные предметы погружены в мягкую полутень. Богатая красочная гамма, сочный глубокий цвет, разнообразие тоновых переходов и тонкая светотень, отличающие произведения ван Стрека, ставят его в ряд крупнейших представителей голландского натюрморта. Как мы уже знаем, экзотические фрукты и изящная посуда подчеркивают богатство и статус их владельца. Золотая бахрома — тщета роскоши. Эту золотую бахрому ван Стрек пишет не первый раз, мы уже видели ее в предыдущей его работе.
Рис. 16. Питер де Пюттер «Рыбы», 1650. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Дерево, масло. 66х97 см
Главной и почти единственной темой творчества Питера де Пюттера были рыбы. Демократизация содержания и форм натюрморта в полной мере проявляются в этой работе. Это уже не изысканные заморские яства, а свежий улов простого рыбака. Рыба расположена на обычном деревянном столе, рядом разместилась и рыболовная сеть — это простые, но не менее выразительные художественные элементы для передачи колорита рыбацкого ремесла.
Де Пюттер использовал монохромную палитру, отдавая предпочтение коричневому цвету, который он оживил, подчеркивая серебристые и белые оттенки чешуи. Свет тщательно проработан, а фактура поверхности передана реалистично. Эти особенности его работ свидетельствуют о влиянии гарлемской школы натюрмортов.
Как мы уже знаем, рыбный натюрморт — это аллегория водной стихии. Новый Завет связывает символ рыбы также с проповедью апостолов, учеников Христа, многие из которых были рыбаками. Господь говорил им, что из «ловцов рыб» они станут «ловцами человеков». Пускаясь на своих лодках в бушующее море жизни, они будут своей проповедью, как неводом, вытаскивать гибнущих людей из его темных волн. Может показаться, что у этой работы есть нечто общее с картиной Абрахама Хендрикса ван Бейерена «Завтрак», которую мы рассматривали чуть раньше. И это действительно так, ван Брейен был учеником де Пюттера, а также его дальним родственником. Здесь также следует отметить лаконичность рамы как поддержки простоты композиции.
Рис. 17. Виллем Калф «Натюрморт с кубком из перламутровой раковины», 1660. ГМИИ им. А. С. Пушкина. Холст, масло. 76х62 см
Особой изысканностью своего искусства отличался Виллем Калф — один из ведущих мастеров натюрморта второй половины XVII века. К тому же, к этому времени в Голландии появилась тенденция через предметы изображать пышное зрелище. Натюрморт усложняется колористически и композиционно и Калф отвечает этим запросам. В «Натюрморте с кубком из перламутровой раковины» есть главный «герой», вокруг которого собраны остальные предметы — кубок из раковины наутилуса. В данном случае он является экзотическим и дорогим предметом декора, подчеркивает роскошь и статус владельца. Каждый предмет на картине художника пронизан внутренним движением, обладает своим неповторимым складом — на стол небрежно наброшен гобелен, наполовину очищенные фрукты выпадают из неровно стоящей фарфоровой чаши. Мерцание света на поверхности блестящих предметов при темном фоне рождает ощущение чарующей, но недолговечной красоты, а часы на краю мраморного стола неумолимо отсчитывают движение времени. Все это делает натюрморт не только технически сложным, но и философски насыщенным.
Итак, рассмотрев голландские и фламандские натюрморты из коллекции ГМИИ им. А. С. Пушкина, можно подвести итоги. Результатом войны за независимость стало образование двух государств и, соответственно, двух школ живописи, имеющих характерные различия. Отличительной чертой фламандского натюрморта является большое разнообразие яств, изобилие и их экзотичность, стол будто ломится от деликатесов. В композициях также представлена посуда из дорогих материалов, все ярко освещено. В исполнении используются яркие краски и масштабные холсты.
После войны уровень жизни фламандских покупателей работ выше, в моде роскошь, пафос богатства, а католическая вера предполагает заказы на религиозные темы. В свою очередь голландский натюрморт демонстрирует более скромную пищу, бытовые сюжеты, привычные предметы, камерную остановку, сдержанную цветовую гамму и приглушенное освещение. Размеры картин небольшие, ведь живопись приобреталась простыми горожанами для своих жилищ, весьма скромных по размерам.
К тому же протестантская церковь призывает к сдержанности и скромности. Также обращает на себя внимание тот факт, что большинство рассматриваемых работ голландских мастеров выполнены на дереве, в то время как фламандцы использовали холст. Но есть и общие черты. Это в первую очередь символизм и аллегорический смысл используемых объектов, а также изображение повседневных предметов, таких как посуда, еда или цветы, внимание к каждой мелочи и детальная проработка композиции.
Литература:
- Золотой век голландской живописи. Рембрандт, Вермеер и другие знаменитые художники / Н. В. Геташвили. — Москва: Просвещение-Союз: Просвещение, 2024. — 208 с.
- Ars Vivendi. Франс Снейдерс и фламандский натюрморт XVII века: каталог выставки / Государственный Эрмитаж. — СПб.: Изд-во Гос. Эрмитаж, 2024. — 420 с.
- От Средневековья до барокко. История западноевропейского искусства. Живопись и декоративно-прикладное искусство / Затюпа С. В. — Центр Искусств. Москва, 2021
- https://pushkinmuseum.art/museum/history/about_museum/index.php?lang=ru
- https://collection.pushkinmuseum.art/
- https://ar.culture.ru/ru/exhibition/noch-muzeev
- https://arzamas.academy/mag/406-naturemorte
- https://gallerix.ru/pedia/definitions--vanitas-painting/
