В статье рассматривается творчество французских мастеров, творящих в 1920–1930-е годы, анализируются стилистические особенности их произведений.
Ключевые слова: мелкая пластика, Ар деко, скульптура 1920–1930-х годов, Дмитрий Чипарус, Жерар Риго, Марсель — Андре Бурен, Арманд Годар, Пьер ле Фагюэ.
The article examines the work of French masters who created in the 1920s and 1930s, and analyzes the stylistic features of their works.
Keywords: fine plastic, Art Deco, sculpture of the 1920s-1930s, Dmitry Chiparus, Gerard Rigaud, Marcel — Andre bouren, Armand Godard, Pierre Le Fague.
Ар деко — стилевоe течение в изобразительном и декоративном искусстве стран Западной Европы и Америки второй четверти XX века. Термин «Ар деко» происходит от Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств, прошедшей в 1925 г. в Париже. Её экспозиция наглядно продемонстрировала не только сложение нового стиля, но и стадию рассвета Ар деко в Европе. Тем не менее, своё название и первое теоретическое осмысление стилевое течение получило в 1960-е годы, в связи с проведённой в 1966 г. в Париже выставкой декоративных искусств, организованной куратором Ивонной Брунхаммер. Наиболее интенсивное формирование Ар деко происходило именно в декоративном искусстве. Это было связано с тем, что пик развития Ар деко пришёлся на отрезок между двумя мировыми войнами — период, ознаменованный коренным переломом во многих областях жизни. Все что казалось для людей незыблемым, было сметено трагическими событиями истории. В условиях нестабильности во всех сферах жизни произведения Ар деко формировали особую среду счастливого и благополучного образа существования, осуществляли иллюзию преемственности художественной традиции. Как отмечал исследователь М.Колломб, стиль пользовался симпатиями среди новых буржуа, которые с произведений визуализировали свои представления о личном материальном благополучии,наличии вкуса, соответствии своему времени. Именно такой массовый спрос повлёк за собой то, что французские керамисты, ювелиры мастера художественного стекла, текстиля, изделий из металла, мебельщики стали признанными лидерами стиля. Но кроме декоративного искусства Ар деко как стилевое направление получило широкое распространение получило в архитектуре, изобразительном искусстве и скульптуре в частности в пластике малых форм, которой посвящена данная статья.
Пластика малых форм, изготовляемая чаще всего тиражными способами производства обладала своими стили стилистическими признаками, общими формальными признаками и развивала определяенный круг тем и образов. Малая пластика представляла собой серийный вид художественной продукции и являла, таким образом, попытку уравновесить два понятия: «элитарность» и «массовость». Работы декоративной пластики обладали существенными признаками массового искусства: они не создавались под конкретного заказчика, но ориентировались на общий рынок сбыта. Следование вкусам массового потребителя диктовало вполне определённые характеристики произведений: они должны были быть яркими, запоминающимися, соответствующими хорошо знакомым клише, то есть быть функциональными, близки рекламной индустрии, и вызывающие чувство эстетического комфорта у зрителя. Среди используемых шаблонов, прошедших зрительское одобрение в других областях искусства и культуры, а также повлиявших на создание образного строя декоративной скульптуры, были изображения популярных танцовщиков (в особенности были распространены были позы и костюме из Дягилевских «Русских сезонов», актёров и спортсменов своего времени, силуэты с календарей и рекламных плакатов, а также многочисленные модные одежды и аксессуары.
Первым кто обратился к феномену зарубежной декоративной скульптуры был английский искусствовед Виктор Арвас. В 1972 г. он устроил первую послевоенную выставку хризоэлефантинной скульптуры в галерее «Эдисьон График» в Лондоне и по её следам написал первое исследование, посвящённое экспонатам — «Скульптура Ар деко: хризоэлефантинные статуэтки 1920-х и 1930-х гг.» [8] В течение двух последующих десятилетий В.Арвасом было издано еще несколько книг, посвящённых стилю Ар деко и его разнообразным проявлениям в частности книга «Aр деко» 1980 года издания [10], приобщающая к творчеству художников представленных на парижской выставке «Exposition des arts decoratifs et industrielles» в 1925 г. Наконец, в 1992 в Лондоне вышла книга «Скульптура ar deco» [11], которая стала итогом продолжительной исследовательской деятельности. Книга отличалась от предыдущих изданий большим количеством иллюстраций и более широким информативным материалом.
Под руководством уже другого английского исследователя Брайна Кэтли в 1978 г. был издан альбом «Фигуры ар деко и других стилей» [12] Автор не ставил перед собой задачи качественного отбора, но тем полнее предстаёт картина разнообразных европейских декоративных скульптур 1920 г., из бронзы, из слоновой кости и из резного камня. Также альбом репродукции оснащён вступительной статьёй и краткими сведениями о художниках и скульпторах.
Большую роль в актуализации именно декоративной скульптуры в России играет частное собрание российского коллекционера М. О. Окрояна, на материалах которого в было выпущено двухтомное издание «Скульптура Ар деко:истоки и расцвет» [4]. В центре внимания первого тома вышедшего в 2009 году оказалось творчество французских мастеров, а последующий уже открывает читателю немецких и австрийских творцов, произведения которых были вдохновлены выступлениями кабаре, движением спорта и звёздами кино. М. О. Окроян, имея возможность изучать тонкость косторезного мастерства на подлинных экспонатах, провёл глубокий анализ работ. Автор данной статьи проводил свой стилистический анализ, основываясь на произведениях из коллекции М. Окрояна, представленных в частном московском музее Ар деко.
Центральное место экспозиции занимают скульптуры яркого представителя декоративной пластики 20–30-х гг. ХХ в. Дмитрия Чипаруса (1886–1947). Этот мастер родившись в Румынии, постигал мастерство скульптора во Флоренции, затем, незадолго до Первой мировой войны, переехал Париж, где продолжил изучение скульптуры в Академии изящных искусств. Несмотря на ранние достижения, к экспериментам с хрисоэлефантинной техникой мастер пришёл только после 1918 г. Благодаря поддержке Эдмонда Этлинга и его племянника Жюльена Дрейфуса, который возглавил литейное предприятие после смерти Эдмонда и сотрудничал с талантливыми литейщиками, скульпторами, резчиками, художниками, граверами, Чипарус стал крупнейшим автором хрисоэлефантинной скульптуры, а его произведения обрели широкую известность. В текущей экспозиции музея Ар деко выставлена статуэтка Дмитрия Чипаруса «Друзья навеки». Скульптура представляет собой женщину в сопровождении ее близких друзей — собак. Величавому телу дамы уподобляются две грациозные борзые, которые после международной выставки 1903 стали неким символом русского дворянства. Собаки расположены по обе стороны от женщины согласно зеркальной симметрии типичной для скульптурных композиций Ар деко. Боковые фигуры животных за счет изогнутых силуэтов и «пустот» в пластических объёмах приобретают более орнаментальный вид. В результате, фигура в костюме смотрится сбалансированной, устойчивой и гармоничной. Данный костюм состоит из юбки спадающей вниз прямыми складками, «чешуйчатого» лифа и шлемовидного головного убора. Роскошная фактурность бронзы достигается с помощью разнообразных видов чеканки от мелкой до крупной. Непринуждённое лицо скульптуры, вырезанное с тончайшим мастерством и жесты рук передают романтический и возвышенный настрой героини.
Изображение танцовщиц было одной из наиболее популярных творческих тем Дмитрия Чипаруса. В скульптура «Танго» запечатлены звезда немого кино 1920-х гг. Рудольф Валентино и его жена Наташа Рамбова. Валентино был исполнителем главной роли в фильме Рекса Ингрэма «Четыре всадника апокалипсиса» 1921 года, где он продемонстрировал великолепное владение техникой аргентинского танго. С тех пор этот танец вошёл в парижскую моду, а Валентино стал кумиром миллионов девушек в Америке и Европе. Данная скульптура Чипаруса,по мнению исследователя Виктора Арваса, относится к театрализованному направлению. Танцовщики словно запечатлены в томном движении танца: их лица сосредоточены, а ноги застыли в классической танцевальной позиции — арабеске. Постановка фигуры танцовщиков словно передаёт основную суть танца: мужчине в танце отведена главенствующая роль,а женщина лишь повторяла действия партнёра. При круговом осмотре скульптуры более заметна замкнутая композиция, свидетельствующая о слиянии мужчины и женщины в одно целое, а также о сочетании ледяного спокойствия и страстных переживаний, бушующих внутри героев. Великолепно передана фактура сценических одежды актёров, в то время как волосы(особенно мужчины) сделаны линейно. Многоступенчатый постамент в данной скульптуре занимает важное место он словно сценическая площадка на которой разворачивается танец, местами похожий на театральное действо.
Огромная часть работ Чипаруса посвящена танцовщикам восточных танцев. Мода на восточные танцы была открыта «Русскими сезонами», которые впервые предстали перед публикой Парижа в 1909 году. Эти спектакли были организованы и подготовлены великим импресарио Сергеем Дягилевым и представляли собой невероятный синтез музыки, ярких костюмов и танца. В своём произведении «Русские танцоры» Чипарус изобразил американских танцовщиц Фоулер и Тамару, которые, гастролировал в Лондоне и в Париже, наиболее полно в своих танцах отразили ориентальную тему русских балетов. Танцовщики настолько приблизились в своём исполнении к русским балетам, что не только полностью копировали костюмы русских танцовщиков, выполненные по эскизам Бакста, но также почти точно повторяли некоторые движения из спектаклей «Русских сезонов». Чипарус изобразил актёров во время танца с бубнами. В вырезанных из слоновой кости лицах художнику удаётся добиться портретного сходства с реальными персонажами. Следует отметить, что при достаточно динамичном расположении тел актёров, объёмы уравновешивают друг друга идеальным образом. Композиция «Русских танцовщиков» открытая, а ритм бубнов придаёт динамику происходящему. Круглый постамент из мрамора вторит бубнам и как бы символизирует цирковую арену.
Дмитрий Чипарус в своём произведении «Русский балет» изобразил русских танцовщиц из дягилевской труппы. Во время финального поклона он запечатлел русскую танцовщицу, солистку «Русских сезонов» Тамару Карсавину в сопровождении двух не менее грациозных танцовщиц. Лицо центральной скульптуры передано с тончайшей портретным сходством, в то время как девушки по обе стороны о неё схожи между собой и даже напоминают девушек с других работ Дмитрия Чипаруса: такие же миндалевидные глаза и опущенные веки. Костюм главной танцовщицы своей фактурой, расположение деталей похож на костюм спроектированный Бакстом для выхода на сцену Тамары Карсавины в спектакле «Жар-птица», только вместо перьевого убора, скульптором был сделан кокошник, яркий и красочный народный головной аксессуар. Лучшая точка осмотра «Русского балета» немного снизу, при таком осмотре скульптуры, подолы платьев выглядят невесомыми, а фигуры кажутся ещё более утончёнными и тянущимся к верху.
Другой французский скульптор работы, которого представлены в музее Ар деко Марсель — Андре Бурена (1886–1948). Скульптор родился в Понтуазе. Был учеником Жана-Александра – Жозефа Фальгиера, одного из крупнейших скульпторов-реалистов XIX века. В 1923 г. Марсель-Андре Бурен начал выставляться на салонах Общества французских мастеров, а также на Осеннем салоне. Он изготавливал небольшие скульпторы для некоторых фирм, включая «Сюсс Фрер», «Ле Вернье» и Артура Голдшейдера, часто выставляясь вместе с группами «Стиль» и «Эволюсьон». В текущей экспозиций представлена «скульптура, изображающая танцовщицу с обручем» Марсель-Андре Бурена, в которой также прослеживается влияние дягилевских сезонов, ведь «Русские сезоны» привили парижанам интерес к восточному, и в частности, индийскому искусству. Танцовщица индийского танца предстаёт обнаженной в классической для Ар деко позе:арабеске, с задранной головой. Причёска танцовщицы воспроизводит индийскую каранда-мукута, т. е. корону из волос, которую носила богиня Бху, младшая супруга высшего божества Вишну. Такие причёски были неизменным атрибутов танцовщиц, которые исполнили экзотические танцы для парижской публики. Танцовщица держит в руках обруч и по его неровным, оборванным краям можно предположить, что артистка только, что выпрыгнула из циркового хула-хупа. Тело солистки отличается плотным телосложением, что вполне соответствует основному критерию индийского танца. Фигура танцовщицы полностью покрыта зелёной патиной, характерной для скульптур Ар деко. Завершает образ постамент в виде куба из мрамора, который сочетает в себе два цвета скульптуры: зеленый и золотой.
Другая скульптура Марсель-Андре Бурена также изображает «Танцовщицу». Данная скульптура заметно отличается от других произведений малых форм с такой же тематикой. Тело танцовщицы лишено традиционной для Ар деко плавности, текучести форм. Автор сделал тело более грубым, гранённым, но не лишенным внутренней динамики. Круговой ритм складок платья усиливает выразительность образа. Отсутствует и характерная поза — арабеска, в связи с этим фигура выглядит более приземлённой и статичной. Из-за такой трактовки формы, силуэт статуэтки стал достаточно чётким и режущим глаза, смотрящему на него зрителю.
Спектакль «Карнавал», состоявшийся в 1909 г., стал одним из звеньев в цепочке культурных явлений, которые обратили внимание на жанр комедии «дель арте». Арлекин, Коломбина, Пьеро и другие персонажи «комедии действий» перешли с европейской сцены в живопись и в скульптуры. Марсель- Андре Бурен в своём творчестве часто обращался к образам цирковых артистов. В текущей экспозиции музея выставлена его декоративная скульптура — лампа «Арлекин». Скульптура изображает Арлекина, развёрнутого в пол оборота в позе арабеске и державшего при помощи своих рукавов лампы. В скульптуре шута присутствует такой же лаконизм, грациозность движений как в скульптурах изображавших танцовщиков. Изящно вырезана маска клоуна — его улыбка. Великолепно расписан золотом и серебром его сценический костюм, мастерски исполнены его жабо и рюши. Постамент скульптуры в виде моста подчерчивает весь трагизм ситуации: арлекин «без имени и в общем, без судьбы», готов выполнять любые прихоти зрителя и даже быть фонарём на мостовой.
В экспозиция музея представлена одно произведение французского скульптора Жерар Риго. Скульптура «Девушка с теннисной ракеткой» изображает субтильную девушку — подростка, одетую по последней моде. Эта простоя по композиции скульптура точно передаёт атмосферу эпохи Ар деко, делая акцент на знаковых приметах времени — моде, спорте и женской эмансипации. В скульптуре нет не одной лишней детали. Жакет с тщательно проработанной поверхностью, миниатюрная шляпка «клош», плиссированная юбка, теннисная ракетка, символизирующая всеобщее увлечение спорта: все эти элементы создают художественный образ — независимой, самостоятельной и современной женщины.
Один из главных французских мастеров мелкой пластики Пьер ле Фагюэ (1892–1935) соединил в своих фигурах неоклассические мотивы с элементами эстетики авангарда, благодаря чему его работы обрели своеобразную «футуристическую» выразительность. В музее представлена «Всадница» мастера. В этой скульптуре Пьер ле Фагюэ зафиксировал момент, когда всадница на лошади совершает прыжок через пруд. При фронтальном взгляде на скульптуру профильные изображения девушки и лошади кажутся плоскими, объем заметен только при круговом осмотре. Все детали в скульптуре изображены условно, в том числе и пространство на фоне которого разворачивается действие: пруд показан в разрезе, его обитатели достаточно просто, а вода линейно. В результате, всеобщего упрощения силуэт скульптуры обрёл максимальную чёткость.
Арманд Годар — французский скульптор, работавший в Париже в 1920–1930-е годы. Творец создавал произведения из бронзы и слоновой кости, преимущественно небольшого размера. Изумительно утончённая скульптура «Танец мыльных пузырей» выставляется в музее. Прототипом для данной скульптуре послужила гимнастка Джорджия Грейвз. Артистка была известна своими гимнастическими выступлениями, которые строились на эффектах виртуозной игры с мячом и комбинациях «зависающих»в пространстве поз, неподвластных физическим законам. Арманд Годар изобразил артистку во время кульминации её представления: Джорджия стоит на носках, её корпус слегка изогнут, а на вытянутых руках она держит полупрозрачный шар. Мастерски передана фактура ситцевого платья артистки, подпоясанного верёвкой. Грациозная фигура артистки поставлена на кубический постамент из мрамора с сферами из оникса, такой художественный прием, создаёт иллюзию театральной условности и одновременно, декоративной насыщенности.
В результате проведённого краткого анализа можно сделать следующие выводы: Cамый повторяющийся мотив в французской скульптуре Ар деко — танца; характерная поза персонажей скульптур -арабеска; тела героев скульптур межвоенной эпохи грациозны и зачастую удлинены; у европейских скульптур 1920–1930-х легко узнавая фронтальная композиция, иногда строящаяся по принципу зеркальной симметрии; в мелкой пластике Ар деко преобладает подчёркнуто орнаментальный подход к материалу, к обыгрыванию фактуры, декоративной отделке; постаменту также уделялось значительное внимание: он служил театральным подмостком, а также иногда наделялся смыслами, раскрывающими суть скульптуры.
Литература:
- Астраханцева, Т. Танец в скульптуре ар деко//Антиквариат, предметы искусства и коллекционирования. — 2007. — № 6
- Астраханцева, Т. Типология, виды и жанры русской керамической скульптуры первой половины XX века в эволюции стиля:дисс. доктора искусствоведения / Т. Астраханцева.– М.:2015.
- Малинина, Т. Г. Стиль Ар Деко: Истоки, региональные варианты, особенности эволюции:дисс. доктора искусствоведения/Т. Г. Малинина — М.: 2002.– 372с.
- Окроян, М. O. Скульптура Ар деко: истоки и расцвет;T.1–2./М. O. Окроян — М.: Галерея Ар Деко,2008–2011
- Петухов, А. В. Ар деко и искусство Франции первой четверти XX века /А. В. Петухов — М.: БуксМАрт, 216. — 312с.
- Усова, Е. А. Пластика ар деко в 1920–1930-е годы: на примере творчества скульпторов Франции и США: дисс. канд. искусствоведения / Е. А. Усова –М.:2016.
- Филичева, Н. В. Ар деко в стилевом и современном музейном пространстве/Н. В. Филичева// Университетский научный журнал. — 2017.– № 34
- Arwas, V. Art Deco sculpture: Сhryselephantine statuetts of the Twenties and Thirties./ V.Arwas — London: Academy Editions,1975.
- Shayo, A. Chiparus: Master of Art Deco / A. Shayo — New York: Abelville press, 1999.
- Arwas V. Art deco New York. Abrams1980,309c.
- Arwas V. Art Deco sculpture. London. St.Martin`s press, 1992
- Catley B. Art deco and figures. Woodbridge. Antique collectors' club. 1978, 348с.
